Hitos históricos

ESCULTURA BARROCA

Escultura italiana

Lo curvilíneo, el dramatismo y la pronunciada torsión de los cuerpos son característicos en sus primeros trabajos.

El Éxtasis de santa Teresa (1645-1652, capilla Cornaro, iglesia de Santa Maria della Vittoria, Roma) resume a la perfección la elevada teatralidad que caracteriza al barroco. Bernini fue el artista predilecto de los papas, para quienes realizó los proyectos más ambiciosos en el Vaticano. Fue también un excelente retratista, como puede verse en los bustos de Constanza Buonarelli (c. 1635, Museo del Barguello, Florencia) y del Papa Inocencio X (c. 1647, Galería Doria Pamphili, Roma). Su único rival en este género fue el escultor Alessandro Algardi.La reacción antimanierista en la escultura italiana tiene su primer ejemplo relevante en la Santa Cecilia de Stefano Maderno (1600, iglesia de Santa Cecilia in Trastevere, Roma).

Fue Gian Lorenzo Bernini, sin embargo, quien dominó la escultura barroca en Roma. Entre sus primeros grupos escultóricos de grandes dimensiones, el Rapto de Proserpina (1621-1622) y Apolo y Dafne (1622-1624, ambas en la Galería Borghese, Roma) muestran su dominio de la escultura en mármol, creando efectos realistas de gran tensión dramática, fuertes contrastes de luz y sombra y la ilusión óptica del jaspeado.

Las fuentes se convirtieron en uno de los monumentos públicos más representativos del barroco, un aspecto en el que también destacó el polifacético Bernini. Su fuente de los Cuatro ríos (1648-1651) en la romana plaza Navona, posee gigantescas estatuas, un enorme obelisco egipcio que remata su centro y los efectistas juegos de agua. Bernini fue también un notable e influyente arquitecto; además de la gran columnata (comenzada en 1656) que rodea la plaza de San Pedro del Vaticano, proyectó iglesias como la de Sant’Andrea al Quirinale (1658-1670) en Roma.

Escultura Española:

La escultura barroca española tiene una serie de características propias:

• Predominio de los temas religiosos.
• Realismo. Empleo de pelo natural, corona real, ojos y lágrimas de cristal y vestimenta.
• Empleo de la madera policromada como material preferido.
• El cliente más importante es la Iglesia y en segundo lugar la Corte.
• Las obras decoran retablos, sillerías de coro y los famosos pasos de Semana Santa.
• Se produce la decadencia de la escultura funeraria.

Escuela Barroca de Valladolid

Caracterizada por el realismo violento de la escultura religiosa, en el que se exalta el dolor y el patetismo. Su mejor exponente fue Gregorio Fernández.

Gregorio Fernández

Esculpe sus obras con un realismo violento y perfección anatómica en los cuerpos, matizando la dureza de los huesos, la tensión de los músculos, la blandura de la carne o la suavidad de la piel. También fue un magnífico policromador.
Algunas de sus obras más importantes son:

Cristo de la Luz
Es una talla de perfección anatómica. Se recrea en el dolor y patetismo de rostro reflejando dolor y sufrimiento con profusión de sangre. Los pliegues son rígidos, al estilo goticista)

La Piedad flanqueada por los dos ladrones

La expresión de la Virgen muestra gran dolor. De nuevo asistimos a una obra donde destaca la perfección anatómica.

Cristo yaciente
Le representación de Cristo resalta la emoción de máxima soledad.

Escuela Barroca de Andalucía

La escultura barroca de la Escuela Andaluza, emplea un realismo más clásico, más sereno. En esta escuela predomina la técnica del estofado.

Dentro de la escultura barroca andaluza debemos hablar de dos centros creadores:

• Sevilla. Cuyos principales artistas son Martínez Montañés y Juan de Mesa.
• Granada. Representada por Alonso Cano y Pedro de Mena.

Martínez Montañés

Cristo de la Clemencia
Se trata de la escultura del Crucificado. Sin embargo, en ella no hay realismo violento. Se representa a Cristo aún vivo con gran perfección anatómica.

La Inmaculada
Es una estatua donde La Virgen, idealizada, se encuentra sola representada sobre nubes con ángeles mirando hacia abajo. Su posición es piadosa. María lleva manto amplio hasta los pies, en el que se utiliza la técnica del estofado.

Retablo de SantiponceLa Adoración de los pastores es un altorrelieve de composición bastante simétrica.

Alonso Cano

Alonso Cano fue un artista muy completo, lo cual es algo excepcional entre los artistas españoles. Empleó con un gusto clasicista por la belleza y la armonía.

La Inmaculada de la Catedral de Granada
La Virgen es esculpida con rostro joven, mirando hacia abajo y con las manos en actitud piadosa. Lleva un manto azul que se ajusta al cuerpo a manera de huso. Sus pies se apoyan sobre nubes y ángeles.

Otras de las obras de Alonso Cano son la Virgen de la Oliva y el Retablo de Lebrija.

Pedro de Mena

Pedro de Mena fue un escultor tendente a la realización de representaciones místicas y también dramáticas, con exaltación de los sentimientos. Algunas de sus obras fueron la Representación de la María Magdalena, San Francisco de Asís y Ecce Hommo.

Escultura francesa

El barroco francés se reconoce por su carácter cortesano, mitológico y decorativo. Predominan los bustos, las estatuas ecuestres, las alegóricas y la escultura funeraria. Tiene cierta tendencia al clasicismo.

Durante el reinado de Luis XIII la escultura se reduce a los retratos casi siempre de carácter funerario. Destacan Simón Guillain y Jacques Sarrazin.

Durante el reinado de Luis XIV la escultura entra a formar parte del arte oficial que exalta a la monarquía absoluta.

Versalles será el centro del arte en Francia. Aquí trabajarán escultores como François Girardon, que es el escultor más significativo, ya que tiene un gusto clásico. Realiza obras como Apolo y las Ninfas, la fuente de las pirámides o el sepulcro del cardenal Richelieu, en la cual prescinde de toda integración con la arquitectura a favor del efecto teatral. Pierre Puget es el más típicamente barroco, por su dramatismo, tensión y la violencia formal de sus obras. Está claramente influido por Bernini: Milón de Cortona, Alejandro y Diógenes, Andrómeda liberada por Perseo. Y Antoine Coyzevox que realiza numerosas estatuas para el conjunto de Versalles y los mausoleos de Mazarino y Colbert.

Ya en el siglo XVIII destacan escultores, de gusto rococó, como François Dumont, Edme Bouchardon o Jean Batiste Lemoyne.

El Barroco fue una corriente artística que predomino en Europa durante el siglo XVII y parte del siglo XVIII. Surgió en Italia como reacción al estilo de los renacentistas, quienes bautizaron al nuevo estilo con el nombre despectivo de “Barroco”, que quiere decir florido, deforme y recargado. Este estilo expresaba la sensibilidad de la época, la manifestación de una sociedad que se expresaba ostentosamente.

La característica principal de este estilo es la grandiosidad. Las obras barrocas resaltaban por su decoración profusa. El afán por romper las reglas del arte clásico es notorio, pues el concepto de equilibrio cambió por representaciones exageradas, alargadas y retorcidas, a través de las cuales se expresaban las pasiones, los deseos y los temores.

Literatura del barroco en España: poesía y teatro

Poesía barroca: Góngora y Quevedo

Luis de Góngora y Francisco de Quevedo son los dos grandes representantes de la poesía barroca. Igualmente dos son las tendencias que conviven durante este periodo: la lírica popular, basada en un lenguaje diáfano y sencillo, y la lírica culta, mucho más rebuscada y compleja. En esta última tendencia se desarrollan dos corrientes conocidas como conceptismo y culteranismo, persiguiendo ambas la belleza y la sorpresa dentro de los nuevos cánones barrocos. La diferencia estriba en que los culteranos abogan más por la sensibilidad, destacando la forma sobre el contenido, mientras que los conceptistas suelen apelar más a los sentimientos, buscando asociaciones ingeniosas,artificiosidad, recursos semánticos y decir lo máximo utilizando lo mínimo. De ahí la conocida frase: “lo bueno si breve, dos veces bueno”. Representante indiscutible del culteranismo sería Luis Góngora, mientras que el conceptismo estaría representado por Francisco de Quevedo, así como Baltasar Gracián en prosa.

Teatro barroco: Lope de Vega

Aunque Lope de Vega, nacido en Madrid en 1562 y muerto en 1635 en la misma ciudad, cultivaría todos los géneros literarios, es indudable que su reconocimiento máximo se debe a su incursión en la lírica y, sobre todo, en el teatro. Lope de Vega escribió más de 3.000 sonetos de variada temática, abordando tanto la corriente conceptista como la culterana.

Puede afirmarse que el teatro sería el género literario más innovador y de mayor éxito durante el siglo XVII, de igual modo que Lope de Vega sería, con su “Arte nuevo de hacer comedias”, el inspirador de la “Comedia nueva”.

La renovación teatral propuesta por Lope de Vega se sustenta en los siguientes aspectos:

Ø La mezcla en una misma obra de lo cómico y lo trágico.

Ø La ruptura de la regla de las tres unidades propia del clasicismo.

Ø División de la obra en tres actos.

Ø Variedad métrica.

Ø Lenguaje adecuado al personaje.

Ø Introducción del personaje.

Aunque Lope de Vega afirmaba haber escrito más de 1.500 comedias, a día de hoy se le atribuyen con certeza 314. La máxima de Lope de Vega era entretener al público, destacando en sus contenidos los conceptos del honor y el sentimiento monárquico abordados desde la acción y la emoción.

Algunas de sus obras son:

Ø La creación del mundo

Ø El mejor alcalde, el rey

Ø El marqués de las navas

Ø EL villano en su rincón

Ø Fuente ovejuna

Ø La dama boda

Ø El perro de hortelano.

Calderón de la Barca

Con Calderón de la Barca, nacido y muerto en Madrid (1600-1681), se reafirma el nuevo teatro de Lope de Vega y se incorporan otros recursos característicos del barroco. A diferencia de Lope de Vega, Calderón muestra una tendencia mayor a la reflexión intelectual y filosófica, con un lenguaje y un desarrollo de la acción más elaborado. La escenografía, que hasta entonces fue bastante pobre, gana en brillantez y complejidad. Al contrario que Lope de Vega, Calderón de la Barca se dedicó en exclusiva al teatro. De él se conocen 120 comedias y 80 autos sacramentales, destacando en el segundo caso su obra El gran teatro del mundo. Pero sus dos grandes obras, sin duda, son La vida es sueño y El alcalde de Zalamea. También escribió dramas de honor, como El médico de su honra, comedias mitológicas como Eco y Narciso o dramas religiosos como El mágico prodigioso.

Bibliografía:

Ø Ciencias Sociales 3, Edit. : Santillana Innova

Ø Libro Pamer 4to y 5to de secundaria. Comunicación – Sociales II Bimestre

Ø Historia Universal 2 Edit.: Océano

Arquitectura

Se desarrolla desde el principio del siglo XVII hasta dos tercios del siglo XVIII. Se manifiesta en casi todos los países europeos y en lo que eran por aquel entonces los territorios de España y Portugal en América, hoy países independientes.

Características:

v Arquitecturas cargadas de detalles y complejas. No reniega de las formas clásicas pero las transforma de manera fantasiosa. A veces el edificio llega a ser como una gran escultura. Los entablamentos adoptan la curva y los frontones se parten y adoptan curvas, contracurvas y espirales.

v Se utilizan efectos de luz, juegos de perspectiva. Da importancia a la luz y efectos luminosos, a través del claroscuro. Búsqueda de la sorpresa. Gusto por lo dramático, escenográfico y teatral.

v Se adopta la elíptica, la forma oval y otras formas (como la de abeja de Borromini). Las paredes son cóncavas y convexas, es decir siempre onduladas. Se llega al abandono de líneas rectas y superficies planas.

Las primeras muestras del barroco aparecen en Italia, y su mejor representante es Gian Lorenzo Bernini, que proyectó la Plaza de San Pedro en el Vaticano (comenzada en 1656). Gracias al complicado juego perspectivo de la doble columnata (de planta oval abierta con dos brazos) la fachada chata de Carlo Maderno para la basílica de San Pedro cobra un nuevo vigor. Otra de sus mejores obras es la Escala Regia (1663-1666), también en el Vaticano, donde consiguió construir en un espacio reducido una de las escaleras más impresionantes de la historia de la arquitectura.

Basílica de San Pedro

Principal edificio del Vaticano, estado soberano dentro de Roma, se encuentra en la orilla derecha del río Tíber.

Es el más importante edificio religioso del catolicismo, tanto en términos de volumen (193 m de longitud y 44,5 m de altura) como de renombre.

La basílica es la obra de varios siglos. Comenzó por ser un monumento conmemorativo en el lugar donde San Pedro fue martirizado, no lejos del circo de Nerón. A partir de 324 el emperador Constantino hizo construir una basílica paleocristiana. Como en el siglo XV amenazaba con derrumbarse, los Papas deciden demolerla.

La construcción del edifico actual se inicia el 18 de abril de 1506, durante el papado de Julio II, siendo terminada en 1626, durante el papado de Pablo V. Numerosos arquitectos y artistas participaron de esta obra: Bramante, Rafael, Sangallo, Miguel Ángel y Maderno. Gian Lorenzo Bernini proyectó la plaza y su columnata.

El proyecto inicial fue encargado a Bramante que diseñó un edificio con planta de cruz griega inscrita en un cuadrado y cubierta por cinco cúpulas, la central en el crucero y las restantes en los ángulos. Pero a su muerte solo se había edificado poco más que los cuatro grandes pilares que debían sostener a la gran cúpula central.

La planta de la Basílica de San Pedro tiene forma de cruz latina. En la nave central se reunió el concilio Vaticano II de 1962 a 1965. La basílica abriga un gran número de tesoros artísticos, como la Piedad de Miguel Ángel y la tumba de Alejandro VII de Bernini.

Movimiento pictórico que aparece en Roma (con Bernini, Maderno y Borromini) en los primeros años del siglo XVII. Se fundamenta en una gran libertad expresiva, característica que la aleja del equilibrio renacentista. Las figuras adquieren gran volumen y pierden el sentido de la proporción.

Durante el Barroco la pintura adquiere un papel prioritario y un gran peso en la religión en los países y del gusto burgués en los países protestantes.

Se desarrollan nuevos géneros como: bodegones, paisajes, retratos, cuadros de género o costumbristas.

Búsqueda del realismo que se conjuga con lo teatral y lo efectista.

El color, la luz y el movimiento, son los elementos que definen la forma pictórica.

A parte de ello la dinámica del espacio, la visión de las escenas en profundidad, la estructuración de las composiciones mediante diagonales y la distribución de manchas de luz y de color, configuran el espacio como algo dinámico, donde los contornos se diluyen y las figuras pierden relevancia frente a la unidad de la escena.

Pintura barroca en España

Se desarrolla en el siglo XVII, siglo de oro de la pintura española,

Valencia resaltó como ciudad más fecunda.

En el tema eclesiástico y conventual se trataba el tema de la gloria de los santos, representados por óptica naturalista y conmovedores efectos de luz.

Destacan: Velásquez, Ribera, Murillo o Zurbarán.

Los pintores españoles usan como inspiración a artistas italianos como Caravaggio y su tenebrismo. La pintura flamenca barroca influye notablemente en España.

Las principales escuelas del arte barroco serán: Madrid, Sevilla y Valencia.

El tenebrismo italiano se dejará sentir en todos los pintores españoles. Las figuras no suelen posar, son captadas con un movimiento exagerado para darle fuerza a la escena. Los cuadros al óleo son grandes y habitualmente complejos, con varias figuras y de gestos expresivos.

Pintura barroca en Italia

Trata de romper con las formas del manierismo, ya mal vistas. Los encargados fueron dos bandos bien diferenciados; por un lado el pintor Caravaggio, y por el otro los hermanos Carracci (Ludovico, Agostino y Annibale).

La escuela Barroco italiana tuvo figuras principales como: Luca Giordano, con el Martirio de San Bartolomé; las pinturas mitológico decorativas de Valerio Castello, como el Rapto de las Sabinas en la que tanto el color como la técnica están al servicio del dinamismo conferido a la escena representada; el un tanto ecléctico Domenico Fiasella, con un decorativista Festín de Baltasar exponente del barroco genovés; Antonio Lazzarini, con un bello David vencedor; y Rutilio Manetti con el cuadro Loth y sus hijas.

El naturalismo, del que Caravaggio es el mejor representante, trata temas de la vida cotidiana, con imágenes tétricas usando efectos de luz. Los claroscuros procuran dar intensidad y viveza. Se rehúyen de los ideales de belleza, mostrando la realidad tal como es, sin artificios.

Pintura barroca en Francia

El manierismo se ve influenciado por el barroco. La pintura es clasicista y se usa para decorar palacios, con un estilo sobrio y equilibrado. Se pintan retratos y se tratan temas mitológicos.

Su autor más destacado es Nicolas Poussinros (influencia italiana), Georges de La Tour y Felipe de Champaign.

No obstante, el barroco en Francia fue poco más que una influencia, transformándose después en el rococó.

Pintura barroca en Flandes y Holanda

En Flandes domina el panorama la figura de Rubens, desarrollando una pintura aristocrática y religiosa, mientras que en Holanda, la pintura será burguesa, dominando los temas de paisaje, retratos y vida cotidiana, con la figura de Rembrandt como su mejor exponente.

AUTORES RECONOCIDOS Francisco Ribalta El predominio del tenebrismo naturalista de influencia italiana, llega a Valencia de la mano de Francisco Ribalta. Su producción pictórica es toda una lección del ambiente escurialense, pero en Valencia evoluciona hacia un arte de profundo sentimiento religioso. Uno de sus mejores logros naturalistas es San Francisco abrazado al crucificado; y el prodigioso Retablo de la Cartuja de Portacoeli, realizado entre 1625-28. Juan Ribalta Hijo de Francisco Ribalta, tuvo obras de gran impacto como la Santa Cena; o el majestuoso lienzo de los Preparativos para la crucifixión, firmado con dieciocho años de edad y pintado para el Monasterio de San Miguel de los Reyes, en el que manifiesta sus dotes naturalistas. Cabe rescatar a otros miembros de la familia Ribalta como: Vicente Castelló, yerno de Francisco Ribalta, al que se le atribuye una bellísima Coronación de la Virgen por la Trinidad; Abdón Castañeda, menos refinado en sus pinceles, como se advierte en la Virgen con ángeles músicos. Muy curiosa es la personalidad de Gregorio Bausá, con un grandioso Apostolado. Jerónimo Jacinto de Espinosa Fue un importante pintor seiscentista de Valencia. Su pintura es ejemplo vivo de un naturalismo áspero y crudo dotado de un profundo sentimiento religioso, como puede apreciarse en el Jesús niño de la Misa de San Pedro Pascual, San Pedro Nolasco intercediendo por sus frailes enfermos, Fray Jerónimo Mos. También su fidelidad a la corriente contrarreformista en Ángeles dorando la Eucaristía, o La Magdalena. José de Ribera Desarrolló casi toda su producción artística en Nápoles. El Museo cuenta con un espléndido cuadro del Martirio de San Sebastián atendido por Santa Irene y una esclava. Thomas Yepes Es el más significativo de los bodegonistas valencianos, con obras como Cazador dormido y Cazador bebiendo, y un excelente Bodegón con cerámica, típico de su modo de hacer basado en una cerámica decorada repleta de frutos en disposición simétrica bajo un efecto de trompe l´oeil. Valerio Castello. De la escuela barroca italiana, desarrolló obras como el Rapto de las Sabinas en la que tanto el color como la técnica están al servicio del dinamismo conferido a la escena representada. Daniel Seghers Desarrolló cuadros flamencos con dos características composiciones de Guirnalda de flores con la Asunción de la Virgen y Guirnalda de flores con el Noli me Tangere Matthias Stomer Holandés cuyo San Sebastián atendido por Santa Irene y una esclava es un buen ejemplo del modo de hacer de los artistas denominados caravagistas nórdicos. Onofrio Loth Tiene como pieza a su curioso Bodegón de crustáceos y Bodegón de ostras, cargados de virtuosismo técnico y exuberancia colorista.

Homónima con la cultura Barroca, la música abarca dese el nacimiento de la ópera en el siglo XVII hasta la muerte de Johann Bach en 1750 (siglo XVIII). Época musical más larga, fecunda, revolucionaria y más influyente en la música occidental. Las características son:

- Uso del bajo continuo, así como el desarrollo de la armonía total.

- La voz superior acompañada del bajo continuo, se llama Monodia acompañada.

- El género vocal recitativo destaca el ritmo de la pablar que determina el discurso melódico.

- Se desarrolla la sonata, el concertó grosso, la ópera, el oratorio y el ballet francés.

Esta época está abierta a cambios, ya que muchos autores cogían obras anteriores y las modificaban o las reescribían, también se debe a que en la música vocal, los cantante tenían varias partes donde podían improvisar.

Una pipa larga compone la parte de atrás del órgano adjunto a una lengüeta por donde el silbido pasa como una corriente de aire, al pasar se comprime y queda adentro. La presión en el tubo se acumulará hasta conseguir el punto de equilibrio que no dejará pasar más aire.

Luego el aire al no poder contenerse más causa una rarefacción o disminución de presión Este ciclo se repite cuatro veces, para luego ser reemplazado por el tubo abierto que hace casi el mismo proceso.

A pesar de ser uno de los más famoso músicos del Barroco, poco se sabe de su vida, a tal punto de que sus biógrafos se contradicen con frecuencia. Nació en Venecia, tal vez el 4 de marzo de 1678, justo el día que un violento terremoto sacudía la ciudad. Sus padres Giovanni Battista, quien era violinista de profesión, y Camila Galicchi. Su padre conocido como Rossi (por ser pelirrojo) y su hijo será conocido como “il prete rosso” (el cura pelirrojo).

Vivaldi gran compositor y violinista italiano fue educado en su niñez por Giovanni Leggrenzi, un importante compositor. Sin embargo Leggrenzi fallece y se ignora con quien o en dónde Antonio prosiguió sus estudios.

Por deseo de sus padres fue ordenado sacerdote en 1703. Según una leyenda un día mientras Antonio celebraba misa (sería más preciso decir cantar, ya que en esa época eso se hacía) un tema musical surgió en su mente, dejó el altar y se dirigió a la sacristía para escribir su inspiración. Este hecho fue juzgado por la Inquisición que lo prohibió de dictar misa. Otras versiones declaran que fue el asma el motivo por el que dejó la misa (La carta de Vivaldi es de suma importancia ya que explica el motivo porque dejo la misa, lamentablemente no la pude encontrar en ninguna fuente).

En 1703, mismo año de si ordenamiento como sacerdote, fue nombrado profesor de violín en el Conservatorio de la Piedad, uno de los más importantes centros de enseñanza musical a huérfanos. Más tarde fue nombrado compositor, director de coros y de una orquesta permanente; la escuela lo obligaba a presentar obras constantemente es así como muchas de sus composiciones fueron interpretadas por su coro femenino, con ellas alcanzó renombre en todo el territorio italiano. Su inconfundible tono impreso en su música y un gran impulsor de la escuela Veneciana, lo llevaron a ser uno de los más grandes compositores del barroco. Su música influyó en muchos seguidores incluyendo al mismísimo Bach, quien estudio y transcribió muchos de las canciones de Vivaldi.

Vivaldi no solo fue compositor, también fue empresario y pedagogo; hablaremos entonces de su vida como empresario, que no fue más que la necesidad de ser el empresario de sus propias producciones, a pesar de que sufrió algunos percances supo sobrellevarlos, es así como en 1716 alcanza un gran éxito con su oratorio “Judit triunfante”.

Vivaldi fallece misteriosamente en una pensión por una inflamación interna a los 63 años de edad, al parecer su justo por el lujo y la moda lo llevo a la quiebra, es así como termina vendiendo un puñado de sus obras por un precio miserable con el objetivo de pagar un viaje a Viena.

No puedo cerrar esta breve biografía sin antes mencionar las obras de uno de los más prolíficos compositores de todos los tiempos.

Realizando 454 conciertos con diversos instrumentos, 70 sonatas, 45 óperas. Fue uno de los mayores exponentes siendo, pues, Las cuatro estaciones su obra más famosa. Esta obra publicada en 1725 dentro de “Il cimeinto dell’armonia e dell’invenzione”, consta de cuatro pequeños conciertos que tocan de acuerdo a las cuatro estaciones del año.

- Concierto nº 1 “La primavera”: Las partes son: Allegro- Largo-Allegro. Alegre en la mayor parte del concierto, representa la explosión de júbilo por la llega de la estación.

- Concierto nº 2 “El verano”: Las partes son: Allegro non molto-Adagio-Presto. Un concierto que expresa como un pastor presiente que una tormenta se avecina.

- Concierto nº 3 “El otoño”: Las partes son: Allegro-Adagio-Allegro. Pasada la tormenta una gran cosecha alegra a los campesinos, para luego evocar vigorosamente la casa.

- Concierto nº 4 “El invierno”: Las parte son: Allegro non molto- Largo- Allegro. Expresa el miedo de los campesinos por caminar en la nieve, por miedo de caerse o resbalarse también evoca una tarde lluvia.

A continuación una explicación en segundos del concierto nº1:

EL DESPERTAR DE LA PRIMAVERA:

· 00:00 Comienza con una alegre melodía interpretada por los violines que muestra perfectamente la atmósfera de júbilo por el nacimiento de la primavera.

· 00:08 La misma frase se repite con menos intensidad y piano (suave).

· 00:16 Un segundo fragmento melódico aparece con la intensidad del principio. Es como un estribillo con el que se pretende sugerir la bucólica alegría de la primavera.

· 00:24 Este mismo fragmento se repite pero en piano.

EL CANTO DE LOS PÁJAROS:

· 00:32 Comienza el violín principal, después el solista de los segundos violines y el solista de los primeros violines, cada uno imitando con su sonido el canto de tres pájaros distintos.

· 01:04 La orquesta vuelve a presentar el tema principal a modo de estribillo

EL MURMULLO DE LAS FUENTES:

· 01:12 Los violines realizan ahora diseños melódicos basados en intervalos pequeños, recreando así el suave murmullo del agua.

· 01:27Un puente modulante nos conduce hacia una reposición del estribillo, aunque con otra tonalidad*.

LA TORMENTA:

· 01:43 Toda la orquesta al unísono tocan grupos de rápidas notas, los violines realizan dos escalas ascendentes y vuelve la orquesta con un paso modulante que introduce al violín solista. El viento, la llegada de la tormenta, todo descrito con maestría por Vivaldi, recreando en todo momento la atmósfera violenta de la primavera.

· 01:50 El solista alterna con la orquesta realizando arpegios* a gran velocidad, mientras ésta repita el motivo a base de rápidas notas.

· 02:12 Aparece de nuevo en la orquesta el estribillo que sirve como puente para dar entrada a una nueva intervención del solista.

CANTO DE LOS PÁJAROS:

· 02:20 El solista imita de nuevo el canto de los pájaros, ayudado por los solistas de los primeros y segundos violines, llenando el ambiente de multitud de timbres y efectos sonoros.

· 02:37 Una frase extraída de la melodía* que abrió el concierto, es presentada por la orquesta a modo de estribillo.

· 02:49 El solista realiza una secuencia a modo de canto final antes de concluir el movimiento

· 03:02 La orquesta al pleno repite el estribillo dos veces para terminar piano.

Concluye la explosión de júbilo por la llegada de la estación de las flores.

En mi opinión Vivaldi no solo fue uno de los más grande músicos de todos los tiempos sino que dejó en la mayor parte del continente Europeo vestigios de sus obras ya sea en sus discípulos como en la gente que lo escuchó en la época del barroco y en 1930.

Nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, Alemania. Perteneció a una dinastía musical familiar que provenía del siglo XVI . Fue el último de 8 hermanos, y como su padre, Johann Ambrosius aprendió y lo sobrepasó en lo que respecta a composición musical. Su padre muere cuando él tenía 9 y su madre cuando era aún pequeño, yéndose a vivir con su hermano Johan Christoph Bach

A pesar de tener un hogar modesto una educación nunca le faltó. La religión y la música rigieron su vida por sus abolengos y por el hecho de que Martín Lutero predico en su pueblo la ideología protestante. Bach creó su música en honor a Dios y para la recreación del alma.

A los 8 años estudiaba en una escuela de su pueblo, distinguiéndose su voz de soprano y su participación en el coro, su padre al darse cuenta del gran intelecto de su hijo lo educo en música y violín y fue su tío quien lo inició en el órgano

Después de la muerte de sus padres y de la mudanza a la casa de su hermano, retomó sus estudios de cultura general e ingresando en un coro con una modestia paga; su hermano lo educo en el uso del clave y órgano.

A los 15 viaja a Luneburgo, donde gracias a su hermosa voz y a su entusiasmos musical, el conservatorio San Miguel le otorgó una beca, también consiguió un puesto como corista con sueldo y hospedaje. Al cambiar su voz dejo el coro, dedicándose a dar clases de violín.

En Luneburgo es donde perfecciona su conocimiento musical y donde realizaba pequeños viajes para ver conciertos de los personajes de la época.

En 1702, con 18 años, Bach ya es un músico profesional y con una fama ya acrecentada, es por esto que la Iglesia de Arnstadt lo llama para que de un concierto público en julio, fue tan apoteósica su presentación que la Iglesia lo puso como organista; sin embargo, meses después las tensiones surgieron ya que la Iglesia quería que Bach asumiera responsabilidades en las que él no se había comprometido, por esto y otros motivos se retira a buscar un nuevo empleo.

En diciembre de 1717 pasó a ser maestro de capilla de Kothen, en donde componía música litúrgica por practicarse ahí el calvinismo. Aquí es donde compone mucha de su música instrumental y orquestal como “Conciertos de Brandemburgo”. Al año siguiente Bach contrae matrimonio con María Bárbara, con quien tendrá ocho hijos.

En 1720 fallece su primera esposa, casándose en diciembre del siguiente año con Ana Magdalena, 16 años más joven que él. Se trasladan a Leipzig en 1731, en donde será nombrado Hofkomponist gozando de una actividad compositiva y pedagógica llegando a disponer de 80 alumnos. En los años siguientes su salud se va deteriorando muriendo un 28 de julio de 1750 en Leipzig.

Bach fue la referencia primordial de la música occidental, a pesar de que no dejo obras tan marcadas como las de Vivaldi, su maestría en la armonía sinfónica era ostentosa.

ü Instrumentación de sus obras:

La instrumentación de Bach es típica del barroco de la primera mitad siglo XVIII, teniendo instrumentos tanto modernos como antiguos, que después de 1750 caerían en desuso.

Toda su obra está destinada básicamente para siete instrumentos: órgano, clavecín, cuerdas, violín y flautas (dulce y traversa), la voz humana y el coro

No soy muy amante de la música clásica; sin embargo, al haber escuchado las obras tanto de Vivaldi como de Bach puedo concluir que fue una música muy hermosa con tal sintonía y empeño por parte de los compositores que dejo una huella no solo en la época correspondiente sino también en nuestros tiempos

ü Bibliografía:

1. http://www.slideshare.net/Aavmvazquez/antonio-vivaldi-biografia

2. http://mundoclasico.tripod.com/cps/BACH__00073.htm

3. http://tile.net/tile/bach/

4. http://www.swingalia.com/musica/biografia-y-obras-de-antonio-vivaldi.php

5. http://mundoclasico.tripod.com/cps/VIVAL_00070.htm

6. http://www.biografiasyvidas.com/biografia/v/vivaldi.htm

7. http://elcirculodeartesanos.blogspot.com/2009/05/la-primavera-de-vivaldi-guia-de.html

8. Grandes Compositores de la Música Clásica